Автор: admin

арт-резиденция, 1 – 30 мая 2021

Время, проведённое в резиденции – первой резиденции 2021 года, – художница посвятила изучению историй игрушек, живущих вместе с людьми всех возрастов.

Жанр её проекта «Игрушечная Коломна», воплощённого в мультимедийную инсталляцию, вполне определим как «социальная пластика». Здесь представлены вполне определённые техники: роспись по ткани, акварельные работы, сорокаминутный видеофильм.

Но за ними кроется главное: через общение с «большими и маленькими» друзьями кукол, ёжиков и карликовых акул раскрылись вдруг истории человеческие, сокровенные чувства и желания. Оказалось, рассказывать о них гораздо проще и доверительнее именно через игру. Ведь в «игрушечных» историях реальное легко сочетается с фантазийным – как в сказке. И, как в любой сказке, здесь есть и творческая – художественная – импровизация и свобода, и детская вера в то, что злой волк должен быть повержен, и более взрослые «моральные дилеммы» с венчающим их (как бы шуточным) выводом: «а друга нельзя есть!».

Художница часто практикует общение с игрушечными персонажами. Её коломенское путешествие началось с Домашней Одиссеи – проекта, возникшего из семейного ритуала бесед с плюшевыми животными. Муж художницы Антти Кукконен сохранил любимые игрушки, оставшиеся в его доме с детства. Про каждого героя он знает всё – повадки, биографию, политические убеждения. Сценки, которые разыгрывает Антти и Алёна, ближе к срежиссированным спектаклям, чем к детской игре, но и в их практике происходящие понарошку разговоры с плюшевым сообществом действуют на самом деле, превращая простые домашние события, будь то приготовление рыбного супа или диванный отдых, в пространство для дискуссий о беспокоящей социально-политической обстановке.

И вот через созданное уже художницей «игровое поле» возникает вполне реальное поле человеческих ценностей и «нежностей», поле внутренних мотиваций, близких «тебе и мне», а значит – и многим…

Особо надо отметить упомянутую роспись по ткани, которая как бы соединяет весь проект воедино: взятый за основу исторический коломенский текстильный узор наполняется сюжетами «игрушечного» проекта, кукольными персонажами и связанными с ними тайнами и грёзами. Сюда перенеслись и многочисленные этюды, живописные зарисовки, сделанные Алёной в «кукольном доме» на Посадской Маргариты Травкиной.

Можно сказать, это «социальная ткань», которую можно увидеть воочию и даже потрогать.

 

Об авторе

Алёна Терешко окончила в 2013 году Санкт-Петербургскую Государственную художественно-промышленную академию им. Штиглица (факультет монументального искусства, специальность «Монументальная живопись») и Про Арте Школа молодого художника, Санкт-Петербург.

Автор запоминающихся видеоработ и перформансов, регулярная участница выставок в коридоре петербургского арт-центра «Борей» и Международного кинофестиваля короткометражного кино в Оберхаузене.

Лауреат премии им. Сергея Курёхина 2017 года в номинации «Лучший медиа-объект».

См. ещё: journal.masters-project.ru

арт-резиденция, 21 июня – 24 июля 2021

Елена, художница, кинорежиссёр и теолог, подарила Арткоммуналке свой очередной проект – Скульптурный садик, расположившийся отныне во дворе музея-резиденции.

Si hortum in bibliotheca habes, nihil deerit, – говорил Цицерон (Если у тебя есть сад и библиотека, то у тебя есть всё, что тебе нужно).

Сад всегда был пространством для отдыха и созерцания, местом преодоления разрыва между человеком и природой, воплощением небесного рая на земле. В советское время в синтезе города и природы, в концепции города-сада видели дорогу в будущее.

Сад рождается при соприкосновении трёх составляющих: природы, истории и культуры. По мнению философа парковых пространств Жиля Клемана, сад, как и человек, подвижен, развиваясь в пространстве, он меняется со временем.

Проект “Скульптурный садик” – это попытка оживить среду вокруг музея, благодаря природе сблизить эпохи, и через работу с исторической памятью Коломны и культурными артефактами города дать импульс к коммуникации и размышлениям.

Ландшафтно-историческая композиция Елены – не просто место, где растут кусты и деревья, а отсылка к внутренним переживаниям души, лабиринт памяти. Верхний сад – маленькая копия подвесных садов, свободное хаотичное пространство, рождающее светотень для нижнего сада, это растения, отражающие прошлое, 60-е годы, создающие некий символизм, сочетаясь с эпохой, которую реконструирует Арткоммуналка. Садик был назван именем журналистки Дафни Скиллен, занимавшейся творчеством Венедикта Ерофеева, сохранившей для нас его голос – благодаря этому у Скульптурного садика есть собственный звук, отрывок из её интервью с Веничкой.

Нижний сад – аскетичный камень и столь же аскетичные растения, среди которых расположился фотоальбом паркового дизайна Коломны 60-х и её жителей – своеобразный импровизированный кинотеатр документальных воспоминаний ушедших эпох.

Сад посвящён детям и памяти о детстве, поэтому в самом его сердце размещена советская скульптура ребёнка. Судьба скульптуры – её разрушение, забвение и неожиданное возвращение – служит метафорой наших воспоминаний о детстве, периоде, во многом определяющем нашу дальнейшую жизнь. И разрушенная эпоха начинает звучать по-иному, становясь элементом современного искусства и работы с памятью.

«Я призываю всех участвовать в жизни сада: зелёную зону надо достраивать растениями, может быть, у кого-то есть растения, характерные именно для Коломны – приносите, пожалуйста», – говорит Елена.

 

Об авторе

Елена Скрипкина родилась в Москве в 1988 году.

Окончила педагогический университет по специальности «Учитель истории», ВГИК, Аcademy of Dramatic arts in Stockholm (2014), Институт современного искусства «База», магистратуру по религиозной философии в Свято-Филаретовском православном христианском институте.

Участник и призёр различных российских и международных фестивалей кино, создатель видеоинсталляции для Пражского музея Франца Кафки «Письма к Фелиции» (2006).

 

Личный сайт: https://skrip-skrip.ru/

Интервью на Радио 1: radio1.news

арт-резидент, 26 июля – 28 августа 2021

Особенность проекта уральско-столичного художника состоит в пересечении актуальных стратегий современного искусства с авторским обращением к архаическим формам общественного сознания.

Мифы и поверья, заговоры и обряды, которые изучает в своей практике Слава, его интерес к гаданиям и предсказаниям становятся основой для поэтического образа, для своеобразной арт-игры «в сверхъестественное». Казалось бы, человеку XXI века можно заблудиться в подобных «шаманизмах» прошлых эпох, не исчезнувших, однако, без следа и сегодня… И, пожалуй, спасительными здесь будут слова французского социолога Эмиля Дюркгейма о том, что главным объективным смыслом первобытных религиозных форм является их объединительная функция – независимо от её осознания самими людьми.

И здесь неожиданно возникает внутренняя близость этих архаических форм сознания с механизмами работы искусства в целом и актуального искусства в частности.

Материалы, использованные для «визуальной поэзии» Славы Нестерова изначально несут сакральные смыслы и намёки: кусок металла, который, возможно, являлся частью старых ворот монастыря, куска кирпича и извёстки кремлёвской стены, кусок обоев советского времени, наклеенный на старые газеты, из усадьбы купцов Сурановых… Разгадать их историю и смысл резидент доверил наугад выбранной в Сети ясновидящей – таким образом художник попытался отыскать то напряжение и, возможно, те подпороговые сигналы, которые обнаруживают в обыденном неизвестное, раскрывают иную сторону вещи.

По признанию Славы, коломенский проект стал не просто созданием обычного художественного продукта, но исследованием, и исследованием непредсказуемым.

Рассказ ясновидящей превратился в художественные объекты. Объектно-ориентированная эстетика инсталляции «Немного смерти и немного любви» стала поэтическим произведением, где присутствуют образность и драма, любовь и смерть, фикция и правда. Это в некотором роде материальная поэзия, позволяющая эфемерному отыскать свой голос и образ.

Подобное своеобразное изучение мифов и поверий, истории и архаического сознания, их проявлений в повседневном, в технологизированной культуре наших дней может рождать некий тип археологии, предполагающий построение новых мифов.

 

Об авторе

Окончил: 2020 г. – Британская высшая школа дизайна, Современное искусство (Москва); 2019 г. – Институт современного искусства, Новые художественные стратегии (Москва); 2012 г. – Пермский государственный национальный исследовательский университет по направлению Современные теории человеческого капитала.

Автор большого числа персональных и групповых выставок.

Портфолио >>

арт-резиденция, 1 – 25 сентября 2021

Своим проектом художница поднимает вопрос человеческой души, одиночества и поисков себя.

«В самых людных городских местах и пустынных лесах, где угодно, человек одинок… Важно то, как мы сумеем это использовать, важно научиться этому. Важно понимать, что ты одинок, но не один, пока у тебя есть ты сам, и в первую очередь ты нужен самому себе».

Размещение элементов инсталляции проекта изначально задумывалось автором именно в природном окружении – среди деревьев или в зарослях, во взаимодействии с атмосферными явлениями, птицами и другими обитателями леса.

Однако в процессе творческой работы оказалось, что главный художественный, метафорический образ этого проекта – лес – отражает, скорее, наше внутреннее личностное пространство… И в этих персональных пущах, бывает, человек заплутает, как говорится, в трёх соснах или забредёт в такой валежник, где и леший ногу сломит… А то выйдет вдруг на земляничную поляну, освещённую солнцем, и среди ветвей уже каких-то сказочных растений осторожно покажутся диковинные звери или волшебные невиданные персонажи, нимфы, феи и эльфы… Всё зависит от человека или художника: каждый так или иначе создаёт свой внутренний мир или, пользуясь нашей метафорой, внутренний лес. Волшебный или не очень.

Но отличие художника в том, что его представления, фантазия и мечты воплощаются в каких-то предметных формах – картинах или, как в данном случае, в масках, костюмах и мягкой текстильной скульптуре. И через эти объекты уже у нас появляется возможность войти, погрузиться во внутренний лес художника, как бы примерить его на себя и ощутить доброту, которой он с нами делится.

Художественные объекты, составившие выставку «Нас никто не найдёт в этом лесу», прекрасные и интригующие сами по себе. Кажется, они являют что-то большее, рассказывают нам какую-то таинственную историю в лицах и персонажах.

Проект Татики – это глубоко личное размышление при помощи художественных образов о том, что каждый человек – дремучий лес, в котором тебя никто не найдёт, если ты сам себя потеряешь. Это попытка осознать и показать тому, кто, как и художник, готов к поискам в этом лесу, что не потеряться поможет свет внутреннего маяка самого человека. Масло для такого маяка – это способность находить дары мира вокруг себя. Среди самых простых и неочевидных вещей, которые и есть наиболее ценные и трогательные сокровища.

 

Об авторе

Наташа Петрова (Татика) родилась, живёт и работает в Москве.

Окончила 59-е художественное училище по специальности художник-мастер декоративно-прикладного искусства и народных промыслов.

Выставочную деятельность ведёт с 2011 года.

Работает в разных техниках. На данный момент это вышивка, ткань, иллюстрация, комикс.

арт-резиденция, июнь-июль 2020

I see the kalach as a sort of container or vehicle for culture.
M. Simkin

 

Конечно, в завершение той или иной арт-резиденции логически просится некое акцентное событие: вернисаж с выступлениями автора, арт-критика, куратора; дискуссия с участием публики; премьерный показ; концептуальное обсуждение экспертов… Но в отношении проекта Майи Симкин (США) «Хлеб – всему голова» можно сказать, что событием является уже сам факт его – дистанционного, несмотря на недужащий глобус – осуществления. И здесь, прежде всего, хотелось бы поблагодарить Майю за её оптимизм, гибкость и последовательность, проявленные в ответ на непростые вызовы, с которыми столкнулась и принимающая её институция – коломенская арт-резиденция. Находясь в Лондоне во время работы над проектом, Майя сумела скорректировать, а затем и скрупулёзно выполнить план своего виртуального пребывания в Коломне.

Точнее говоря, работа началась ещё до её официального приезда в Арткоммуналку, когда на карте мира обозначилась и третья точка взаимодействия – Широкий Буерак city на Волге, место моего как куратора – такого же дистанционного – пребывания. На этапе возникшего в эти дни диалога амплитуда наших с Майей подходов к её историко-апокрифическому исследованию коломенского калача достигала значительных, иногда неожиданных пределов. От христианской трапезы с молитвой и калача, как капсулы культуры (kalach as a sort of container or vehicle for culture) – до весьма прагматических объяснений его формы, сводящимся к санитарно-гигиеническим принципам и задачам повышения производительности труда. От заложенного в нём акта милосердия (ритуального жертвования части хлеба, его ручки) – до калача как фастфуда кучеров и ассенизаторов…

Начало резиденции ознаменовалось обменом мастер-классами между Майей и коломенской Калачной. Художница подготовила большой и интересный материал по нефункциональному использованию пищи в искусстве, а в обмен получила рецепт и рекомендации по приготовлению калача. И, наконец, был дан старт собственно арт-исследованию, свободному плаванию творческой интуиции, приведшему в итоге к двум художественно-изыскательским текстам/эссе и финальной кинетическо-перформативной скульптуре, обобщающим – и в словесной, и в символическо-визуальной форме – поиски и устремления автора.

«It has been lovely working with you and I really enjoyed learning about Kolomna as well as the kalach», – говорит Майя эти добрые слова в заключение своего виртуального путешествия в Россию (которое, мы надеемся, однажды станет явью). Вместе с ней мы приглашаем всех ознакомиться с её занимательными эссе, опубликованными ранее: первое эссе, второе эссе, а также увидеть съедобную скульптуру, сооружённую ею в Лондоне отчасти по коломенскому рецепту.

Куратор проекта Михаил Лежень

Интервью с Майей Симкин >>

Воркшоп, проведённый художницей онлайн >> 

Кинетическо-перформативная скульптура Майи Симкин (США) «Хлеб – всему голова»

Об авторе.

Майя Симкин (США, проживает в Лондоне) – художник, победитель международного конкурса Арткоммуналка 2020

Окончила:

University of Westminster, Master of Arts with Merit 

 London, UK, Jan 2018-Feb 2019

• Museums, Galleries, and Contemporary Culture

American University, Bachelor of Arts, Dean’s List for final four semesters

Washington, DC, Aug 2014-Dec 2017

• Major in Interdisciplinary Studies: Communications, Law, Economics, and Government
• Minor in Art History

Charles University, Study Abroad for Central European Studies

Prague, Czech Republic, Jan 2016-May 2016

Больше информации по ссылке >> 

арт-резиденция, январь-февраль 2020

Представленный живописный диптих Ильи Йода является итоговой работой художника, результирующей его двухмесячную арт-резиденцию в Коломне. Акриловая живопись на холсте, развивающая классическую технику «холст, масло» отличается использованием воды в качестве разбавителя красок. По словам художника, он стремился найти, прежде всего, подходящий местный пейзаж, узнаваемый, но и в меру абстрактный в то же самое время. Такие пленэрные поиски потребовали достаточно много времени и усилий, так как на уже найденном месте нужно было дождаться-подловить определённое состояние природы: выпавший снег в сочетании с необходимой освещённостью. Фиксация этого состояния с помощью панорамного ‒ 360° ‒ фотографирования завершало первый этап создания диптиха. Затем ­‒ во время второго этапа ‒ работа перемещалась в студию, где разрабатывался цифровой эскиз, использующий упомянутую съёмку и объёмное (3-d) моделирование. И, наконец, третий ‒ достаточно трудоёмкий ‒ завершающий этап заключался собственно в формировании живописного слоя (в горизонтальном положении холста) на основе разработанного эскиза.

Характерно, что работа шла не сразу над всем изображением, включающим пейзажный фон и человеческую фигуру, собранную из вокселей (объёмных пикселей): вначале автор полностью завершал пейзаж, и только потом на нём постепенно проявлялся образ Персонажа. Можно сказать, в этой последовательности заключена некая церемония, отражающая философские размышления автора над феноменом человека цифровой эпохи, его революционности и одновременно несовершенства. В объяснении своих поисков художник часто использует понятие «симулякр» (копия): в его платоновском использовании уже сам предметный мир и каждая составляющая его вещь являются копиями-отражениями их внутренней идеи, их сущности. В этом смысле в эпоху всеобщей цифровизации, то есть производства бесконечного количества копий, отражений, слепков вещей, вырастает значимость и особый смысл исконно человеческого «симулякра» ‒ слова. Которое, обозначая классы явлений, отличается от обычной «аутентичной» копии проникновением в суть вещей ‒ то есть, можно сказать. является реальностью первого порядка. Таким образом, «воксельный» человек, словесно вмещающий у себя в голове реальность первого порядка, как бы формирует особую ‒ смысловую ‒ перспективу, отражающую авторскую затею «обратного» процесса, процесса аналогизации цифрового мира.

Онлайн экскурсия по выставке художника Йод в «Арткоммуналке» >>

Сюжет КТВ об открытии выставки >>

 

Об авторе

Художник значительную часть жизни провёл во Франции, окончив в 2010 EESI (Европейская высшая художественная школа. Диплом современного художника. Пуатье, Франция).

Автор множества выставок в России и за рубежом, среди которых:

2019   Фестиваль Сакрального Искусства, Собор Saint-Pierre, Сенлис (Париж), Франция.
2019   Фестиваль Ласточка, Арт пространство Ласточка, Петрозаводск, Россия.
2019   A Salon at Sugar Mountain, Арт пространство The Magenta Suite, Эксетер, Нью Гемпшир, США.
2019   Арт на Всё, Галерея Проун (пространство Artplay), Москва, Россия.
2018   Skurril, Marler Kunststern, Марль, Германия.
2017   Mazipos, Visual Kontakt Gallery, Клуж–Напока, Румыния. Куратор Carlos Сarmonamedina.
2010   От противного, Центр современного искусства Винзавод, Москва, Россия.

Подробнее:

https://yodvisual.art
https://www.facebook.com/ylyayod0
https://www.instagram.com/yod.artist/
https://medium.com/@yodartist